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Nous sommes tous des artistes, ou plutôt, des designers au quotidien, notamment dans notre façon de beurrer une tartine. Antoine Defoort, dans « Sauvez vos projets (et peut-être le monde) avec la méthode itérative » dresse sur nous ce portrait, dans un spectacle qui ressemble à s’y méprendre à une conférence (et vice-versa), l’humour et l’esprit en plus. Venez découvrir ou redécouvrir l’univers unique d’Antoine Defoort à Paris, du 17 au 28 mars, à La Maison des Métallos, puis en tournée jusqu’en mai 2026. Overjoyed accompagne Antoine Defoort sur sa communication numérique et ses relations presse. Après avoir fait le régal de tou·tes au Festival d’Avignon 2024, Antoine Defoort reprend la route, de la France au Luxembourg en passant par la Belgique et la Suisse, avec son seul-en-scène drôlement décalé et ingénieux : « Sauvez vos projets (et peut-être le monde) avec la méthode itérative« . Le mot de l’auteur : Dans ce spectacle, qui ressemble à s’y méprendre à une conférence (et vice-versa), on parle notamment de design, de ce qui se trame quand on engage un processus de design, du fait que le moindre quidam random qui se confectionne une tartine le matin pour aller avec son café est en fait engagé dans un processus de design. Je me fais une joie de partager l’enthousiasme que suscite cette méthode à la fois ancestrale et révolutionnaire, qui s’avère extrêmement efficace pour déjouer les pièges redoutables qui jalonnent le processus de conception, tels que : On aura notamment le concours de quelques bonnes blagues, et d’une des métaphores les plus savoureuses et croustillantes du moment, la métaphore de l’espace inter-cérébral.  Enfin, il faut peut-être que vous sachiez : ça a failli s’appeler « Un gratin, un panda. » Antoine Defoort Et si vous l’aviez manqué… Pour notre plus grande joie, Antoine Defoort reprend aussi sa grande forme « Elles vivent » à Paris, en avril 2026. Une fable anticipatrice légère et décapante autour du discours politique et du monde des idées. Ainsi comme il n’est jamais trop tard pour découvrir ou redécouvrir cet artiste joyeusement singulier, on vous invite cette saison à vous aérer la tête en sa compagnie, ici ou là, selon la date de votre choix. Antoine Defoort : Parcours et créations. Après un parcours universitaire, Antoine Defoort suit des études d’art dans plusieurs institutions dont l’Ersep, École régionale supérieure d’expression plastique, à Tourcoing. Titulaire du diplôme national supérieur d’expression plastique en 2004, il s’intéresse progressivement à la performance, comme support possible d’investigations plastiques, musicales, filmiques et ludiques. Il monte en 2005 un premier projet intitulé Indigence = élégance. C’est alors qu’il rencontre Julien Fournet. Ils fondent en 2006 la structure de production Frietsoep inc qui deviendra plus tard après regroupement avec Halory Goerger l’Amicale de production. Antoine Defoort est plasticien performeur dans ses propres créations qui suivront, dont Cheval en 2006 et &&&&&&&&& en 2007. Antoine Defoort se définit comme un artiste de variété, cherchant à exploiter la pénétration du quotidien dans l’art contemporain.  Son travail rassemble formes, sens, médium, matériaux, telles des collections de connexions qu’il appelle lui-même des « collexions ». Que ce soit des vidéos, des films, des sons, des installations ou des textes, les éléments participant à la création sont conçus de manière autonome, avant d’être agencés dans le cadre de performances transdisciplinaires hétéroclites et antithématiques. Il crée en 2012 Germinal avec Halory Goerger pour la Biennale de la Danse de Lyon, monte en mai 2014 un projet de conférence ludique autour de la question de la propriété intellectuelle intitulé Un faible degré d’originalité, présenté au CENTQUATRE-PARIS. En 2021 au Phénix de Valenciennes, il crée Elles Vivent. En 2024, il crée au Train Bleu, Festival d’Avignon : Sauvez vos projets (et peut-être le monde) avec la méthode itérative. Prochaines dates : « Sauvez vos projets (et peut-être le monde) avec la méthode itérative d’Antoine Defoort« 10 et 11 mars 2026Maison de la culture de Tournai – Belgique Du 17 au 28 mars 2026Maison des Métallos – Paris du 28 au 30 avril 2026Le Phénix, Scène Nationale de Valenciennes (59) 5 et 6 mai 2026 Théâtre SQY – Scène Nationale de Saint-Quentin en Yvelines  (78) 

Pour la 4e fois, Overjoyed était présent au 11e Forum Entreprendre dans la Culture organisé par le Ministère de la Culture à l’École nationale supérieure d’architecture de Paris-Belleville. Marie-Pierre Bourdier, fondatrice du Collectif, y a animé le mardi 1er juillet une conférence sur le thème : « Nouvelles tendances de la communication dans le spectacle vivant », alors que les lieux de culture et de spectacles présentaient leurs nouvelles saisons. Voici un résumé de notre étude qualitative sur les tendances du secteur en matière d’identité visuelle, de contenus et d’outils pour répondre aux enjeux de communication 2025. Des tendances… qui suivent des tendances : 2 exemples 1. La bataille de l’attention : aller vers l’essentiel Comme le souligne Olivier Lefebvre (FRED & FARID Paris) : “Avec la bataille de l’attention, il faut aller à l’essentiel. De plus en plus, on voit des campagnes ultra simples : un fond de couleur, une phrase, un packshot, un logo.” Dans un contexte où les publics sont saturés d’informations, la simplicité devient une stratégie de différenciation. Les identités visuelles se recentrent sur des compositions claires, sobres et immédiatement lisibles. Les campagnes privilégient les formats courts et percutants, inspirés des codes des réseaux sociaux : titres impactants, couleurs franches, typographies lisibles, logos épurés. Cette tendance répond directement à la logique des algorithmes et des flux d’attention : un message trop complexe se perd, tandis qu’une image forte et minimale capte immédiatement le regard. Elle influence non seulement la communication digitale, mais aussi l’affichage urbain, la presse et même la télévision. Cette tendance au dépouillement ne signifie pas pour autant appauvrissement créatif. Au contraire, elle exige une maîtrise technique accrue et une capacité à synthétiser l’essence d’un message en quelques éléments visuels seulement : « Un regain de créativité et une personnalisation accrue face à une homogénéité potentiellement générée par les machines, l’originalité et l’inspiration auront plus que jamais leur place.” Dans un univers visuel où l’IA risque de standardiser les productions graphiques, l’originalité, la signature artistique et l’identité propre des lieux de spectacles deviennent des atouts stratégiques. Minimalisme ne doit pas rimer avec uniformité : il s’agit d’affirmer une personnalité forte, même dans la sobriété. 2. La nature et le vivant : retour aux sources, voire antidote En parallèle, une autre tendance traverse les identités visuelles : celle d’un retour au vivant et à la connexion avec la nature. Ce mouvement, amorcé sur les réseaux sociaux, s’amplifie dans le design graphique des lieux culturels et de spectacles. Les visuels intègrent de plus en plus des motifs organiques : feuillages, textures minérales, formes fluides inspirées du monde végétal et animal. Les palettes de couleurs s’adoucissent, se rapprochent des tons naturels : verts mousse, beiges sable, bleus profonds, ocres sables. Les compositions privilégient l’espace et la respiration, comme le reflet d’une quête de simplicité et d’authenticité. Cette esthétique s’inscrit dans un imaginaire collectif où la nature devient refuge et source d’inspiration. Elle offre à la fois un contrepoint apaisant à l’hyperconnexion numérique et reflète une aspiration à un équilibre perdu entre l’humain, le vivant et la technologie. Dans le contexte de 2025/2026, marqué par les débats sur l’impact écologique des activités humaines, dont culturelles, ces codes visuels contribuent aussi à positionner les lieux de spectacles comme des acteurs responsables, proches des enjeux environnementaux, tout en soulignant l’aspect sensible et engagé de leur programmation. La fin du 4e mur : le public devient acteur·ices La fin du 4ᵉ mur ne se joue pas seulement sur scène : elle s’exprime dans la manière dont les lieux de spectacles conçoivent leur identité visuelle : L’humour et l’ironie Les institutions culturelles n’hésitent plus à détourner les codes publicitaires ou les slogans populaires pour mieux capter l’attention. Les affiches jouent sur l’ironie : une citation de Molière est immédiatement « corrigée » par le TNBA, ou encore une invitation à emmener ses enfants au musée qui s’accompagne d’un clin d’œil à la saga Fast & Furious. Même l’identité visuelle se prête au jeu, transformant le sigle « tnba » en un long cri de surprise ou de joie. Ces stratégies rappellent que la culture sait rire d’elle-même, tout en rendant ses messages plus accessibles et mémorables. Le renouveau de la critique à l’aune de l’influence  En 2025/2026, les créateur·rices de contenus ne sont plus de « simples relais » : ils s’affirment comme des partenaires stratégiques en devenant « passeurs d’émotions » et influent directement les identités visuelles des lieux de spectacles : Une diversification des contenus vidéos La vidéo reste pour l’heure le format roi dans la communication en général. Portée par les réseaux sociaux, les plateformes de streaming et l’évolution des usages, elle devient un territoire central d’expression visuelle et un vecteur puissant d’identité. Au-delà de la simple captation ou de la conception de teasers / trailers, les institutions culturelles explorent désormais une diversité de formats, de récits et de points de vue. L’objectif : créer des passerelles entre artistes, directeur·rices, publics et communautés numériques. Une monétisation et/ou sponsorisation des contenus digitaux : un potentiel encore sous-exploité dans le spectacle vivant Pourtant, si la production de vidéos, d’images et de campagnes interactives s’intensifie, la monétisation et la sponsorisation restent encore timidement utilisées par de nombreuses structures culturelles. Les plateformes offrent pourtant aujourd’hui des outils puissants pour transformer le contenu en levier d’activation commerciale : vente de billets, augmentation de la notoriété, fidélisation des publics et même financement direct des projets artistiques. Mais pour beaucoup d’institutions, la stratégie reste encore fragmentée et le retour sur investissement (ROI) mal mesuré. En bref La communication constitue aujourd’hui un enjeu stratégique majeur pour les organisations culturelles. Elle ne se limite plus à la promotion d’un événement, mais participe pleinement à la construction de l’identité et de la visibilité des structures. Dans ce contexte, oser la différenciation créative devient indispensable : proposer des contenus originaux, expérimenter de nouvelles formes narratives et visuelles, et créer des expériences permet de se démarquer dans un paysage culturel bien rempli. La mutualisation des actions de communication apparaît également comme une tendance forte. Des initiatives…

Les Clés du Festival, L’aventure du Festival d’Avignon des origines à nos jourscommissaire Antoine de Baecque C’est la première exposition permanente, ouverte à tous les publics sur l’histoire toujours vivante de la grande aventure artistique et humaine qu’est le Festival d’Avignon. Dans ce contexte, Delphine Menjaud Podrzycki et Marie-Pierre Bourdier ont accompagné la Maison Jean Vilar dans ses relations presse nationales. Son inauguration en juillet dernier a séduit le public avec ses 3 000 m² d’œuvres et d’installations, de sons et d’images… Aujourd’hui, elle entend raconter et faire vivre le Festival en dehors de l’été, auprès de tous les publics — novices ou initiés, touristes ou Avignonnais. Beau pari ! « On entend aussi au fil de la visite résonner les trompettes du Festival. Elles sont, comme les clés, un des emblèmes de ce rendez-vous unique qui permet de comprendre pourquoi l’on parler avec raison du « spectacle vivant ». Gérald Rossi, l’Humanité Une exposition inédite : permanente et ouverte à tous les publics Au fil d’une scénographie immersive réunissant près de mille documents et archives de la Maison Jean Vilar et des collections de la Bibliothèque nationale de France – photographies, films, enregistrements sonores, affiches, programmes, notes et correspondances inédites, décors emblématiques, dessins originaux, maquettes et costumes de légende , la première exposition permanente de la Maison Jean Vilar invite à vivre l’aventure du Festival d’Avignon. Les Clés du Festival dévoile l’histoire du Festival de 1947 à nos jours en traversant ses grands fondamentaux : le festival des origines, un festival d’artistes et de création, un festival et son public, un festival miroir du Monde, Avignon Ville festival, le Festival Off, la fabrique du Festival. Le premier étage de la Maison Jean Vilar (soit surface totale de 350 m²) est jalonné de pièces iconiques, de témoignages marquants, de sources renouvelées, d’histoires artistiques et humaines rapportées. Avec au cœur du projet : le public – novice ou initié, touristes ou festivalier·es – saisi par la force vibrante d’une utopie bien réelle, d’un patrimoine toujours vivant. En confiant ainsi à un large public Les Clés du Festival, cette exposition entend prolonger le geste fondateur de Jean Vilar et du Théâtre Populaire : pour toutes et pour tous. commissariat Antoine de Baecquescénographie Claudine Bertomeu lumière Jean Bellorinicomité scientifique Bibliothèque nationale de France, Association Jean Vilarproduction Association Jean Vilar en coproduction avec la BnF en partenariat avec La Compagnie des Indes, L’INA, Chaillot – Théâtre national de la Danse, Les archives du spectacle, ARTCENA, La Chambre de Commerce et d’Industrie du Vaucluse, Avignon Tourisme, ARTE, France Culture, Télérama, Le Monde, The New York Times, Ici Vaucluse, Zébuline, Scenewebun projet labellisé Avignon – Terre de culture 2025 subventionné par le Ministère de la Culture, la Ville d’Avignon, la Région Sud, le Conseil départemental de Vaucluse et le Grand Avignon mécènes le Crédit Coopératif et Igensia La Maison Jean Vilar est un lieu de mémoire, de transmission, d’invention de l’œuvre de Jean Vilar et du théâtre populaire.  Ouverte à l’initiative de Paul Puaux, compagnon de Jean Vilar et son successeur à la direction du Festival d’Avignon de 1971 à 1979, la Maison Jean Vilar est installée dans un hôtel particulier classé au cœur d’Avignon, mis à disposition par la ville, à quelques pas de la place de l’Horloge et du Palais des Papes.Depuis 1979, la Maison Jean Vilar est animée conjointement par l’association Jean Vilar et la Bibliothèque nationale de France. Ensemble, elles conservent et partagent avec le public les archives de Jean Vilar, des directions suivantes du Festival d’Avignon ainsi que du Festival Off et de différentes institutions culturelles du territoire.Depuis sa fondation, la Maison Jean Vilar a produit des dizaines d’expositions temporaires sur Jean Vilar et ses collaborateurs, le Théâtre National Populaire, les grands acteurs et actrices de la troupe, les œuvres marquantes ou des artistes invités du Festival, l’histoire et les genres du spectacle vivant… Elle a su tisser des liens étroits avec les réseaux éducatifs, culturels et sociaux, le monde professionnel de la création et de la recherche au niveau national. Elle s’inscrit comme un lieu essentiel du Festival durant le mois de juillet.